Un ragazzo bussandomi dietro la spalla e credendo evidentemente di essere in fila alle poste, mi fa notare d’essere arrivato prima di me, in quella posizione e , sottovalutando la mia altezza di qualche centimetro, mi chiede cortesemente di spostarmi per non occupargli la visuale. Questa cosa mi lascia pensare al fatto che i tempi, anche tra noi ascoltatori, sono radicalmente cambiati; una situazione del genere, qualche anno fa, sarebbe finita con una gomitata alle reni, ovviamente da parte del basso. Ma i tempi in qualche caso maturano le cose. Nel caso dell’accoppiata grottesca Greg Dulli e Mark Lanegan, il tempo ha portato al massimo splendore un progetto nato qualche anno fa, nel 2005, e che ora ha trovato la luce (se cosi si può dire, vista la latente decadenza noir) con un disco, Saturnalia.

Un Alpheus circondato da un cielo uggioso, che lascia presagire solo ettolitri di pioggia, non assiste all’adunata tipica delle grandi occasioni musicali, andando del tutto contro i miei pronostici. Poche persone (200 circa), non riescono a riempire neanche metà locale.
Ed Harcourt, precede i gemelli fognari nella sua ottima performance. Questo piccolo ometto apparentemente proveniente dalla seconda metà dell’800, si destreggia caparbiamente tra pianoforte, chitarra, un tom campionato e mandato in loop al momento, un microfono che da l’effetto di un campo di concentramento e l’apporto, in uno dei brani, di Jeff Klein (tastierista e chitarrista nei Gutter Twins, ma anche compositore solista), destando curiosità e quindi piazzando un buon colpo.

Mark Lanegan entra preceduto dalla sua fama, Greg Dulli, invece, dalla sua alitosi e da qualche chilo di grasso accumulato nel tempo che migliora le cose. Le prime sigarette vengono accese violando qualsiasi legge comportamentale che tuteli i non fumatori nei locali chiusi e pochi arieggiati ed anche io, trasportato da questa apparente concessione, accendo la prima sigaretta. La disposizione sul palco, lascia trapelare l’importanza che i due hanno rispetto ai restanti sonatori; in seconda fila appaiono il sopraccitato Jeff Klein alle tastiere, il bassista, l’ottimo batterista dalle movenze pittoresche, unico non fumatore, forse insieme al secondo chitarrista, rimasto troppo in disparte per tutto il tempo. La prima parte del concerto è caratterizzata da tutti i brani del disco uscito pochi mesi fa per la Sub Pop di Seattle; viene eseguita l’intera tracklist coprendo un’ora e mezza di concerto. Live l’atmosfera è sudicia e noir, proprio come quella proposta nel disco. Un ambiente che si trasforma nella più squallida bettola americana piena di papponi, puttane e sigarette che fumano dai rispettivi posacenere, smanianti l’ultima aspirata. A contribuire nella costruzione di questa scenografia pezzi come The Station, la prima in scaletta, All Misery/Flowers dove la voce baritonale di Lanegan, batte in frequenza la nota più bassa. Poi ancora la bellissima The Body, dove invece è la voce di Dulli a spadroneggiare, Bete Noir e infine Front Street, durante la quale Dulli dà il meglio di se, tenendo il palco, improvvisandosi cantante di ballate swing, sedendosi su di uno sgabello e manipolando il microfono con i soli polpastrelli della mano sinistra; il grasso in esubero e la vaga somiglianza con Renato Pozzetto, non limitano comunque la classe della quale l’uomo è da sempre in possesso.
I due sul palco fanno emergere tutta la loro personalità; vestiti praticamente uguali, forse per caso forse per dare un senso alla loro fratellanza gemellare, uno si muove, alternandosi tra l’agitazione di Idle Hands e la “sensualità” di Circle the Fringes . L’altro invece, rimane completamente fermo. Assume due posizioni durante tutto il concerto (chi lo conosce lo sa): nella prima, mano destra sull’asta, mano sinistra poggiata sul microfono, gamba destra tesa per sorreggere un corpo completamente immobile e  gamba sinistra leggermente piegata. la seconda è invece trasportarsi dal microfono all’asciugamano, per asciugarsi un sudore prodotto da immotivate ghiandole. Forse proprio a questo suo modo di esporsi è dovuta quella voce, cosi profonda da far tremare lo stomaco al pubblico, cosi apparentemente naturale che vedere lo sforzo in contrazioni del suo viso, spiazza un poco.
Tutta la seconda parte del concerto è caratterizzata da “cover” (tra virgolette dato che sono tutti brani presi dai passati musicali dei due): due bellissimi brani presi da Bubblegum, del 2004, firmato Mark Lanegan, nella fattispecie Hit The City e Methamphetamine Blues. E infine, coprendo cosi quasi 2 ore di concerto, Papillon  dei Twilight Singers.

Ricordarsi di questo evento sarà molto semplice; sigarette, suoni rock noir e ragazzi che richiamano all’ordine in un concerto rock.

I tempi cambiano.

Una mente glabra in un grezzo involucro di peli. Ascoltare, leggere o vedere Caparezza (e in due giorni mi è capitato di assistere a tutto questo) significa fare un viaggio nella sua cosmogonia, soprattutto negli ultimi tempi, nei quali il cantautore stonato (quindi rapper), di Molfetta, in provincia di Bari, cerca la catarsi da un passato forse scomodo (di sicuro imbarazzante), da involontarie hit estive e da transumanze nel mondo hip hop, non raffiguranti di certo il suo Habitat naturale. Caparezza in fondo è questo: un uomo totalmente lucido e molto intelligente, che sciorina parole, storie e racconti pur non essendo stato completamente dilaniato dalle droghe, da cattivi rapporti con la famiglia o da città claustrofobicamente cementificate. Il terriccio lo fa muovere, come la difesa dei diritti umani o la ridicolizzazione dei potenti e di chi si fa strada a violenze, psicologiche o fisiche che siano. Il tutto ovviamente condito da uno humour mai banale e sempre zeppo di riferimenti e citazioni che spaziano da Frank Zappa a Jeeg robot d’acciaio, passando per Arkanoid.
Per questo è difficile stufarsi di ascoltare qualcosa da egli prodotto; è praticamente impossibile arrivare alla totalità della comprensione. Anche solo lessicale.
Ma tutte queste belle parole solo la prefazione ad un giudizio non del tutto convinto, dal suo ultimo disco uscito l’undici Aprile; Le Dimensioni del Mio Caos.
Una breve sinossi di quello che Michele Salvemini ha definito un Fonoromanzo:
“Siamo nel 2008, 40 anni dopo il ’68, anno che vedeva nascere nuovi movimenti culturali e nuovi amori liberi. Caparezza davanti alla sua folla, dopo aver suonato La Rivoluzione Del Sessintutto, decide, per commemorare Jimi Hendrix, musicista che di quegli anni fu figura emblematica,  di distruggere sul palco una Fender Stratocaster creando cosi, un varco spazio temporale dal quale uscirà all’istante Ilaria, una hippie, ampiamente descritta in Ulisse (You Listen), che nel corso del romanzo si lascerà avvelenare dal consumismo moderno, fatto di I-pod, myspace, Photobook e quant’altro. Solo un grande eroe come Luigi delle Bicocche saprà ripristinare con i sui superpoteri, il continuum spazio temporale,  ristabilendo cosi il caos primordiale del 2008. "

Per capire la mia non totale convinzione basterebbe ascoltare di fila tutte le 14 tracce del disco e raffrontarle a quelle di Habemus Capaoro. Si nota subito che quella continuità forte nel precedente disco, viene a mancare per colpa di alcuni brani come Non Mettere Le Mani in Tasca, un R’n’B piuttosto snervante, o Pimpami la Storia che mostra uno spaccato generazionale anti-moccia o ancora Un Vero Uomo Dovrebbe Lavare i Piatti che anche se potrebbe essere considerata una buona proposta, annoia. Ma il confronto qui finisce; gli altri brani (esclusi alcuni qualitativamente nella media, come la sopraccitata Ulisse, La Grande Opera e la malinconica Il Circo Delle Pantegane) sono delle composizioni geniali, divertenti e musicalmente costruite per accogliere il miglior Caparezza: Ilaria Condizionata e il suo potente ritornello, Abiura di Me, Io diventerò Qualcuno sono tutti brani che Live non possono che funzionare e nello stereo non rischiano mai, in nessun modo, di annoiare l’ascoltatore, lasciandolo, in qualche caso, riflettere. L’apice, è però Vieni a Ballare in Puglia, nella quale le radici nel cantante molfettese e il suo amore incondizionato per la sua terra riemergono in un rivisitata taranta, che rischia però di fare il passo falso (il che è opinabile) commesso dall’autore nell’incomprensione generazionale e polifonica di Fuori dal Tunnel: i turisti, che affollano l’estate le spiagge e le sagre del Salento, un giorno, la balleranno spensieratamente. Un buon disco tutto sommato, che mostra ancora una volta l’agitazione, quella che fa bene al cuore, celata nell’apparente calma del cantautore pugliese.

 
La seconda parte del viaggio nel caos dei riccioli di Michele Salvemini, al secolo Caparezza, è il divertentissimo spettacolo somministratoci all’Alpheus proprio lo stesso giorno dell’uscita del nuovo disco Le Dimensioni del Mio Caos. Per questo, i nuovi brani ancora non conosciuti, soprattutto da chi per un intero pomeriggio non è stato ad ascoltarli, sono stati messi duramente alla prova. La reazione del pubblico è stata fantastica. Ad ogni grazie, un prego, ad oggi ritornello, un salto e tutti sembravano sapere ogni brano a memoria. Ad aprire la serata Io Vengo Dalla luna, il brano con più risposta da parte dei paganti, che si sono mossi a ritmo di musica per almeno un’ora e mezza. Nelle rappresentazioni Live il nostro vuole citare indubbiamente uno dei suoi grandi maestri Frank Zappa, indossando, per evidenziare la cosa, un maglietta con il suo volto. Diego dei Medusa , perfetto nelle controvoci, nei cori e nei ritornelli più melodici, non sembra mai essere fuoriluogo anzi, si integra con naturalezza nelle scenografie, coadiuvando lo spettacolo e rendendolo più ricco. Diversi momenti segnano il concerto come uno dei più divertenti dell’anno; in Jodellavitanonhocapitouncazzo, l’eterno rincorrersi dei due innamorati, entrambi barbuti, è un siparietto davvero comico. Il pallone gonfiato che viene raffigurato in Io Diventerò Qualcuno, ingombra metà palco, non permettendo la visuale al batterista, che in realtà è il compente meno attivo dell’intero gruppo; i cappelli a forma di cacca di cane, indossati dai musicisti durante l’esecuzione di Cacca nello Spazio, rendono il contatto con il primo nuovo brano della serata, un lieto evento. Ma probabilmente l’apice avviene durante l’esecuzione del nuovo singolo Eroe: a metà della seconda strofa un pubblico commosso dalle parole del rapper si lascia andare ad un convinto applauso, che renderà nella mia mente la completezza della serata. Nella scaletta un solo brano di vecchio stampo, Follie Preferenziali. Tra un salto ed un altro la serata scivola via come le unghie di una marmotta su uno specchio, nella mia totale soddisfazione. Unico rammarico, il pezzo di chiusura, Bonobo Power, davvero molto brutto.

 Photos by pkms (altre su flickr!)

Perché sul palco in tre magari non ce la fai a reggerlo, ti senti schiacciato dal peso della gente e dal peso del locale e magari pensi che davvero è troppo; allora aumenti gli strumenti, ti piace anche la rima e devi saperli suonare anche bene magari per reggere ai tecnicismi, ad una musica che bada sempre più alla qualità individuale; due batterie, non una, un synth, chitarre varie; la tua musica è animalesca, viscerale, suoni dinoccolato, segui il tempo e chiudi gli occhi, partecipi e gli altri partecipano, coinvolto e gli altri sono coinvolti.
La sala si riempie e la musica sembra salire, come immergere un sasso in una bacinella colma d'acqua e l'acqua straripa fuori, la voglia di ballare e partecipare è forte, densa, vogliamo tutti partecipare ad una creazione così maestosa e potente, così sorprendentemente focosa.
E c'è stupore, tutto viene maltrattato, applicato seguendo strade percorse raramente, i passi rimangono scolpiti nella polvere e, anche se il vento porterà via le tracce, la meraviglia rimane impressa nelle menti e nei cuori di tutti: è musica, suono che serpeggia e contagia di corpo in corpo, diveniamo casse di risonanza e la persona a fianco contagia la moltitudine, scuotiamo la testa e pestiamo i piedi in terra, questa è la serata giusta.
E dura tutto troppo poco, consapevolmente, ma la tristezza rimane per un pubblico shockato, pietrificato come lo stesso muro di suono che gli si è schiantato contro, non c'è stato airbag, rimaniamo contusi, sfregiati, visibilmente scossi; echeggiano nella nostra mente parole e battiti di cassa profondi, tutto stampato: uno dei migliori puntoebasta.
Dopo, i sorrisi, lo sbigottimento, una droga buona: “di più, di più” sembrano gridare i nostri corpi tumefatti, l'attesa sarà il nostro metadone, non ci resta che aspettare e sperare nell'overdose, morire soffocati come i grandi, ma soffocati dal loro prodotto genuino, puro, tagliato e smistato con la classe di Frank Lucas, non c'è spazio per gli altri, davvero.

recensione by OssO

E le ridestanti ferie battono in ritirata. Il problema fondamentale è che mai nulla si ferma in realtà e i pensieri questa volta sono tutti estremamente rivolti ad un gruppo nomade e particolare, nonostante quella vaga ed improbabile possibilità di distaccarsi da ciò che è musicalmente nuovo per abbandonarsi alla riscoperta di vecchi talenti, uno dei quali, nel lontano 1965 , scrisse un brano come Sad eyed lady of the lowlands. Il gruppo in questione sono gli Zen Circus; nomadi perché in poco più di 10 anni di carriera, la scelta del gruppo di dedicarsi, in occasione di ogni uscita, ad un’etichetta differentesi è rivelato un modus operandi pressoché unico. Particolari (proprio per non abusare dell’aggettivo “alternativo”) perché sentire questa nuova produzione, Villa Inferno, è come simulare un viaggio senza un’apparente meta, farcito da innumerevoli fermate, talvolta palesemente pop rock, talvolta folk e a volte al limite della risonanza (ancora presente, ma vaga), di tendenza anni ’80.
Ci sono due diversi approcci ad un nuovo disco, ma credo siano comunque vincolati dal primo contatto con il lavoro in questione: la copertina. Proprio questa, inconsciamente, fa decidere se l’approccio dovrà essere diretto, immediato, violento, inserendosi cosi in ogni contesto (a lavoro, in macchina, sotto la doccia) oppure, delicato, netto e preciso, nella quale la durata dell’intera tracklist delimita precisamente il tempo da dedicare esclusivamente al disco, senza interferire con qualsiasi altra distrazione. Il nuovo disco di Appino & Co. che vede la stretta collaborazione ( e produzione) del Violant Fammes, Brian Ritchie, appartiene decisamente al primo gruppo.
Ma le aspettative derivate da una prima constatazione, han reso la realtà del prodotto registrato, una valida e piacevole sorpresa.
Girando poi il disco promo proposto della Unhip Records che ormai è un punto di riferimento per la qualità musicale italiana contemporanea, si può cominciare a constatare che Villa Inferno, non è di certo un disco semplice; svariate collaborazioni della quali parlerò in seguito hanno aiutato la produzione del disco, che di infernale ha veramente poco.

Il disco apre con il guitar feedback di Dead Penfriend, prodotto del primo degli innumerevoli ospiti, l'ex One Dimensional Man e ora basso nel Teatro Degli Orrori, Giulio Favero, e ricorda nella sua ritmica proprio quella lista di gruppi, alla quale fanno parte i Bhauaus, i Fugazi e i Violant Fammes, che si estraniava da una visione prettamente elettronica, rinascendo in una nuova versione di Pop Rock e Wave, generi fondatori di molte delle nuove derivazioni e categorizzazioni musicali. La seconda traccia del disco, Wild Wild Life, ospita chi di questo brano fu il primo esecutore, Jerry Harrison, ai tempi al fianco di David Byrne frontman dei leggendari Talkin Heads. Punk Lullaby poi, primo singolo estratto, rafforza la sua musica con un video animato dai disegni dell'ottimo Davide Toffolo (Tre Allegri Ragazzi Morti) e presenta dopo la seguente Dirty Feet, secondo il mio parere, la migliore melodia e orecchiabilità, aiutata di certo dai cori delle due sorelle Deal, Kim e Kelley, la prima della quali fu bassista nei Pixies. La sesta traccia del disco è il primo dei tre brani cantati in italiano e per i quali la voce è stata prodotta da Giorgio Canali (ex CSI,ora PGR). Figlio di Puttana, appunto, potrebbe far gola ai fan dei TARM per semplicità ed un testo che non lascia nulla all'interpretazione e che ospita al piano Tommaso Novi. A seguire ancora una canzone in Serbo Croato Narodna Pjesma, poi Vana Gloria, una nostalgica Oh, The River, che ricorda a tratti Brian Eno. E per concludere in un piacevole apice d'armonia Vent'Anni, che sembra però essere un trattato generazionale, che ha comunque dalla sua, semplici e comode verità, e dulcis in fundo Les Tantes De La Dimanche, cantata in francese e che ospita i fiati de La Societè Anonyme Des Souffleurs Du Pont D'Iena.

Un disco che esce da qualsiasi confine, che può essere esclusivamente amato o odiato, prodotto in diversi continenti, cantato in lingue diverse e che dà alla fine un ottimo risultato, sia in termini di qualità e spessore creativo e culturale che a livello di sensazioni.

tracklist